John Ford ist einer jener Regisseure, die die Branche tiefgreifend beeinflusst haben.
„Der beste Regisseur der Welt“ – Ingmar Bergman
Der „König der Regisseure“ – Frank Capra
„Ein Film von John Ford war ein visuelles Vergnügen“ – Alfred Hitchcock
„Ich habe John Ford von Anfang an respektiert. Es versteht sich von selbst, dass ich seinen Produktionen große Aufmerksamkeit schenke und ich glaube, dass sie mich beeinflusst haben.“ – Akira Kurosawa
„Ich mag die alten Meister, und damit meine ich John Ford, John Ford und John Ford.“ – Orson Welles
„…ein Hurensohn, der zufällig ein Genie ist.“ – Henry Fonda
Frühe Karriere
John Ford begann seine Karriere als Filmemacher für alles und arbeitete für seinen älteren Bruder Francis. Es war das Jahr 1914, dreizehn Jahre vor dem ersten Tonfilm. John begann als Assistent, Handwerker, Stuntman und gelegentlicher Schauspieler für seinen zwölf Jahre älteren Bruder. John arbeitete hart und wurde schließlich der Chefassistent und Kameramann seines Bruders, bis er 1917 sein erstes Regiedebüt gab.
In seiner über 50 Jahre währenden Karriere gewann John Ford sechs Oscars, bemerkenswerterweise jedoch keinen für seine Western. 1973 erhielt er als erster den Lifetime Achievement Award des American Film Institute und Präsident Nixon verlieh Ford die höchste zivile Auszeichnung des Landes, die Presidential Medal of Freedom. Ein Besuch bei IMDb oder Wikipedia zeigt eine lange Liste von Auszeichnungen aus aller Welt. Aber was machte einen John-Ford-Film aus?
John Ford Aktiengesellschaft
Ford nutzte bekanntlich eine „Stock Company“ aus Schauspielern und Crewmitgliedern, eine große Ansammlung von Profis aus der Filmbranche, zu der bekannte Namen wie John Wayne, Henry Fonda, Will Rogers, Maureen O’Hara und James Stewart gehörten, um nur einige zu nennen. Da Ford seine Besetzung und Crew gut kannte, wurde er als einer der meistbeschäftigten Regisseure Hollywoods bekannt und produzierte zwischen 1913 und 1971 mindestens einen Film pro Jahr – viele Jahre sogar mehrere.
Regisseur John Sayles sagte: „Ford konnte die Erwartungen von Produzenten und Publikum gleichermaßen erfüllen und gleichzeitig kleine Details hinzufügen, ob düster oder sentimental, die seinen Filmen eine zusätzliche menschliche Dimension verliehen, die den üblichen Programmplanern der Zeit oft fehlte. Bei der Produktion von „The Iron Horse“ (1924), seinem Epos über den Bau der transkontinentalen Eisenbahn in den 1860er Jahren, das den Zeitplan sprengte, setzte er seinen Ruf als effizienter, geradliniger Regisseur aufs Spiel. Ford wurde vom Studio unter Druck gesetzt, durfte den Film aber zu Ende drehen, und er wurde ein riesiger finanzieller und bei den Kritikern erfolgreicher Film.“
„Das Geheimnis besteht darin, Filme zu machen, die dem Publikum gefallen und es dem Regisseur gleichzeitig ermöglichen, seine Persönlichkeit zu entfalten“, sagte Ford einmal.
Regie führen ist keine Kunst
Ford betrachtete seine Regie als Beruf und nicht als Kunstform oder geheimnisvolle Fähigkeit. „Jeder kann einen Film inszenieren, wenn er die Grundlagen kennt. Regie ist kein Mysterium, es ist keine Kunst“, sagte Ford in einem seltenen Interview. Ein anderes Mal rief er aus: „Es hat keinen Sinn, mit mir über Kunst zu reden, ich mache Filme, um die Miete zu bezahlen.“
Charaktermomente
In Fords Filmen erscheinen die Figuren oft als stereotype Karikaturen, doch ihre Menschlichkeit kommt bald zum Vorschein, wenn sie zwischen Schießereien und Verfolgungsjagden zu detailreichen Charakteren werden.
„Zwischen den Verfolgungsjagden und den scheinbar lebensgefährlichen Actionsequenzen gibt es Momente, in denen die Charaktere die Handlung vorantreiben …“, erklärt Adam Scovell von CelluloidWickerMan.com. Adam fährt fort: „Obwohl ich viele seiner Filme genieße, ist es fast so, als würde Ford gerne komplexe Beziehungen und Ideen unter dem Deckmantel von Cowboys und Indianern oder anderen aufregenden Bildern und Erzählungen einschmuggeln.“
Ford lernte bereits in der Stummfilmära, ohne Worte zu kommunizieren, und brachte diese Fähigkeit in die Tonfilmära mit. Scheinbar einfache Gesichtsausdrücke oder Blicke vermittelten Emotionen, für deren Vermittlung die meisten Regisseure Dialoge benötigten.
„Oft ist es das, was zwischen den Zeilen steht, was Ford-Filme zu Ford-Filmen macht … Und Ford hat diese Momente, diese Regie-Momente, ganz bewusst eingefangen, weil er verstand, dass dies die Essenz dessen ist, was den Kinofilm von anderen Formen unterscheidet“, sagte der Regisseur, Drehbuchautor und Produzent Walter Hill.
„Er hat immer gesagt: „Wenn Sie diese Zeilen nicht alle brauchen, dann werfen Sie sie weg“, sagte Schauspieler Harry Carey Jr. über Fords Dialoghass.
Blockierung
„Niemand hat je eine bessere Inszenierung gemacht. Niemand hat je Schauspieler besser vor die Kamera gebracht. Aber gleichzeitig wirkt es organisch“, sagte Walter Hill.
„Die Art, wie er Dinge einrahmt und wie er seine Leute inszeniert und blockiert, wobei er die Kamera oft statisch hält, während die Leute die Illusion vermitteln, dass viel mehr kinetische Bewegung stattfindet, obwohl das nicht der Fall ist. In diesem Sinne ist er ein klassischer Maler. Er feiert den Rahmen, nicht nur das, was darin passiert“, erinnerte sich Steven Spielberg.
Obwohl Ford es vorzog, die Kamera während einer Szene nicht zu bewegen, verwendete er eine Technik, bei der die Kamera die Bewegung einer Figur spiegelte. Regisseur David Fincher emulierte diese Technik in Filmen wie Fight Club und Gone Girl.
„Im Wesentlichen versucht er, die Kamera genau auf die Geschwindigkeit und Richtung der sich bewegenden Figur im Bild abzustimmen. Wenn die Figur stehen bleibt, stoppt auch die Kamera und startet erneut, wenn die Person sich wieder zu bewegen beginnt. Die Bewegung hier zu treffen, ist nicht annähernd so, wie sie sein sollte, sondern perfekt“, bemerkt Nerdwriter in seinem hervorragenden YouTube-Video „How David Fincher Hijacks Your Eyes“.
Effizienter Filmemacher
John Ford drehte eine Szene oft nur in einer Einstellung, weil er glaubte, dass die erste Einstellung normalerweise die emotionalsten Szenen enthält. Außerdem drehte er seine Szenen oft der Reihe nach und „schnitt sie in der Kamera“, um die Kontrolle über die Geschichte vor einem Redakteur oder Produzenten zu bewahren .
Ford sagte einmal: „Ich gebe ihnen nicht viel Film zum Spielen. Tatsächlich beschwerte sich Eastman immer, dass ich so wenig Film belichtete. Ich schneide in der Kamera. Wenn man ihnen sonst viel Film gibt, übernimmt das ‚Komitee‘. Sie fangen an, Szenen zu jonglieren und nehmen das heraus und legen das ein. Mit meinen Bildern können sie das nicht machen. Ich schneide in der Kamera und das war’s. Wenn ich fertig bin, liegt nicht viel Film auf dem Boden.“
Während viele Regisseure beim Filmen auf ein Verhältnis von 6:1, 10:1 oder mehr setzen, konzentrierte sich Ford auf den Bereich von 4:1. Das bedeutet, dass für jede Minute Film, die der Kinobesucher sieht, tatsächlich vier Minuten Film gedreht wurden.
Ein weiterer bekannter Filmemacher mit niedrigen Drehquoten war Fords Zeitgenosse Alfred Hitchcock. Aber die Ähnlichkeiten zwischen ihnen in der Filmproduktion waren vielleicht nicht größer. Hitchcock war bekannt für seine umfangreichen Storyboards und Planungen, während Ford seine Filme scheinbar direkt aus dem Kopf komponierte und schriftliche oder grafische Entwürfe wie Storyboards und manchmal sogar Drehbücher meist mied.
Löst sich auf, verwischt und verblasst zu Schwarz
Eine weitere berühmte Ford-Technik – die heutzutage weitgehend aus der Mode gekommen ist – ist die Überblendung als Übergang oder seine Verwendung von Überblendungen ins Schwarze. Regisseur Akira Kurosawa ließ sich möglicherweise dazu inspirieren, Überblendungen so zu verwenden, wie Ford Überblendungen verwendete, und George Lucas, der sowohl von Ford als auch von Kurosawa beeinflusst wurde, verwendet alle drei: Überblendungen, Überblendungen und Überblendungen ins Schwarze. Alle Star Wars-Filme sind gute Beispiele.
Ford, der Historiker
„Seine Filme hatten einen starken Einfluss auf die Auffassung der Amerikaner über ihre eigene Geschichte und ihre Werte“, sagte John Sayles.
Der Kritiker und Filmhistoriker Joseph McBride sagte: „[Ford] hat unsere nationale Geschichte auf der Leinwand mit einer epischen Vision aufgezeichnet, die fast zwei Jahrhunderte umspannt, vom Unabhängigkeitskrieg bis zum Vietnamkrieg. Obwohl Fords Vision von Amerika zutiefst patriotisch ist, schreckt er nicht davor zurück, sich mit den tragischen Misserfolgen des Landes auseinanderzusetzen, den Zeiten, in denen wir unseren Idealen nicht gerecht wurden. Welche Ereignisse er auch immer darstellt, Fords natürliche Loyalität gilt immer dem Geist des amerikanischen Volkes.“
„Seine Filme würdigten den ehrgeizigen Pioniergeist Amerikas und die Schlüsseltugenden, die den nationalen Charakter prägten: Freiheit, Integrität, Mut und Durchhaltevermögen. Er schwelgte in den majestätischen, ungezähmten Weiten unseres Landes“, sagte John Farr von BestMoviesByFarr.com.
„Ford hat die Geschichte der Vereinigten Staaten in nicht geringem Detail aufgezeichnet und dabei einen Zeitraum von über 180 Jahren von der Zeit vor der Revolution bis in die 1950er Jahre abgedeckt. Und in seinem gesamten Werk … wird die persönliche Geschichte immer in der Perspektive des Laufs der Geschichte im Hintergrund gezeigt“, sagte der Filmemacher, Kritiker und Filmhistoriker Peter Bogdanovich.
„Ford hat immer darauf bestanden, dass diese Heldenmythen – so unwahr sie auch sein mögen – notwendig sind, damit die Gesellschaft funktioniert“, schrieb der Cineast Ryan Gumbley.
Beeinflussen
Berichten zufolge hat Orson Welles sich Fords Meisterwerk „Stagecoach“ 40 Mal angesehen, um sich auf die Dreharbeiten zu „Citizen Kane“ vorzubereiten.
„Ich versuche, mir vor jedem Film einen oder zwei Filme von John Ford auszuleihen. Einfach, weil er mich inspiriert und ich sehr sensibel darauf reagiere, wie er seine Bilder mit der Kamera malt“, sagte Steven Spielberg einmal.
„Ford hatte wirklich einen so außergewöhnlichen Einfluss auf mein Leben und meine filmische Freude an Kunst und Leben. Und er hat einen so großen Einfluss auf mich gehabt und tut es immer noch“, erklärt Martin Scorsese.
Jemand fragte Akira Kurosawa: „Wie haben Sie gelernt? Haben Sie bestimmte Maler studiert? Waren es japanische oder europäische Maler?“ Kurosawa antwortete: „Ich habe John Ford studiert“, schreibt Swapnil Dhruv Bose im Far Out-Magazin.
Akira Kurosawa
Akira Kurosawa sah Fords Western als Kind und wurde stark davon beeinflusst. Das offensichtlichste Beispiel ist die Verwendung eines Antihelden, der gegen unzählige Feinde antritt, wie Kambei in Kurosawas Sieben Samurai und Ringo Kid in Fords Stagecoach.
Wie Ford verwendete Kurosawa epische Weitwinkelaufnahmen, oft mit einer Figur, die sich am Horizont über den Bildschirm bewegte, wie man es in vielen Western von Ford sieht.
Viele moderne Regisseure schwelgen in langwierigen Konfrontationen und Gewalt, nicht aber Ford oder Kurosawa. Ford sagte einmal: „Meine Filme zeigen nicht immer Gewalt. Nur sehr, sehr wenige. Und wenn sie Gewalt zeigen, ist sie sehr schnell vorbei. Ich suggeriere sie mehr als alles andere … ich mache es schnell oder ich mache es durch Suggestion.“
„Auch die Kompositionsgewohnheiten von Ford und Kurosawa waren ähnlich. Sie konzentrierten sich auf das Hell-Dunkel-Spiel von Licht und Schatten (man denke an Caravaggio) und die Einrahmung der Schauspieler durch Türöffnungen“, betont Swapnil Dhruv Bose focal length.
Schließlich verstärkte Kurosawa, wie Ford, natürliche Klangelemente wie Wind, Feuer, Regen und Pferde.
Kritik
John Ford musste für seine Darstellung von Frauen und allen, die nicht weiß waren, viel Kritik einstecken.
„Einer meiner amerikanischen Westernhelden ist natürlich nicht John Ford. Ich hasse ihn, gelinde gesagt. Vergessen Sie die gesichtslosen Indianer, die er wie Zombies umgebracht hat. Es sind wirklich Leute wie er, die diese Idee der angelsächsischen Menschlichkeit im Vergleich zur Menschlichkeit aller anderen am Leben erhalten haben …“, sagte Quentin Tarantino zu Henry Louis Gates im Online-Magazin The Root.
In vielen Artikeln und sogar Büchern wird die „giftige Kultur des Machismo des Kalten Krieges“ diskutiert, wie Stephen Metcalf in The Atlantic über John Wayne und John Ford schrieb. Metcalf erklärte, wie Ford aus Angst vor seiner eigenen Weiblichkeit Macho-Charaktere schuf, die von Schauspielern wie John Wayne dargestellt wurden.
„Ford hat einen archetypischen Kodex für männliche Ethik und Verhalten geschaffen, der die amerikanische Psyche tiefgreifend beeinflusst hat“, sagte John Sayles. „Seine Filme, ob Western oder andere Genres, zeichnen sich durch ein Ideal amerikanischer Männlichkeit aus der Zeit der Jahrhundertwende aus – loyal, selbstironisch und doch kompetent, zuverlässig im Kampf, pflichtbewusst, höflich, wenn auch etwas sprachlos im Umgang mit Damen, mit einer augenzwinkernden Vorliebe für Alkohol, aber ohne Geduld für Schimpfwörter oder schlampiges Verhalten.“
„Wie beschreibt man jemanden, den man wirklich bewundert und geliebt hat, und der dennoch so viele ärgerliche Charakterzüge hatte? Er war ein instinktiver Hochstapler, man wusste nicht, wann man ihm glauben und wann man ihm nicht glauben sollte. Alles, was er sagte oder tat, war auf Effekthascherei ausgerichtet. Deshalb war es so schwierig, ihn zu interviewen; er sagte absichtlich das Gegenteil von dem, was man seiner Meinung nach hören wollte. Er konnte nett, liebenswürdig und sanft sein und hatte einen wunderbaren Sinn für Humor. Aber er konnte auch rachsüchtig und gemein sein. Alles, was man mit John Ford tun kann, ist, ihn mit all seinen Fehlern und Tugenden zu akzeptieren und ihn zu lieben“, sagte Maureen O’Hara.
Fazit
John Farr fasste John Ford folgendermaßen zusammen: „Ford war ein Mann voller Widersprüche: Am Set war er autokratisch und extrem hart zu seinen Schauspielern, erniedrigte sie häufig öffentlich. Doch er war auch äußerst loyal und baute sein eigenes Stammpersonal aus Schauspielern und Technikern auf, die immer wieder zurückkamen und seine Beschimpfungen ertrugen, weil sie wussten, dass sie mit einem Genie arbeiteten und etwas Besonderes schufen.“